島的符號：吳熙吉《迴響》晴山藝術中心

 

文｜楊傑懷

 

克利（Paul Klee）1924 年在耶拿藝術協會（Kunstverein Jena）著名的演講《論現代藝術》（Über die moderne Kunst）中，曾以一棵樹來比喻藝術家的位置：藝術家的感官是深埋地底的根系，世界的養分經由吸收與辨識湧向樹幹，最終在世界得以目睹的高處，於枝葉間展開成一件作品。但根與冠之間並無鏡像般的對稱，藝術家不過是樹幹，是讓深處之物得以被看見的通道，美從來不屬於藝術家自己。

 

這則比喻放在吳熙吉的創作，幾乎是不言自明的參照。長居宜蘭大里，面向太平洋與龜山島生活十餘年，吳熙吉卻不是以風景畫家的身份去「取景」，而更像是根系在運作：固定的潮汐、不斷偏移的天光、人跡罕至的粉紅海面，瞬間而微小的細節，是作品依賴的地底養分。對藝術家而言，龜山島是每日重複相遇、卻從未真正重複的對象；蘭陽平原的稻田、太平洋的橫向色帶、島嶼與海平面之間被刻意拉遠的垂直距離，都不只是外在景觀的記錄，而是藝術家觀看世界、進而觀看自己的方式。正因根系所感知的世界，未必等同於樹冠呈現的形貌，太平洋與龜山島最終沒有留在寫實的地景，而是被推向符號的語彙。

迴響：朝向簡化推進的創作路徑

 

2026 年七月，《迴響》是吳熙吉首次受邀於晴山藝術中心舉辦的展覽，緣分始於五月的臺中藝博，晴山藝術中心當時於博覽會現場首次呈現藝術家的作品，才有了這次篇幅完整的展覽。吳熙吉在多年的創作生涯裡，以油性粉彩描繪居住地景，並不斷將其推向符號化。2000 年代，他在南投埔里以抽象水墨顯影山川；2010 年代，《靜默丘壑》、《人形牢籠》系列回應環境焦慮；遷居宜蘭大里後，進入直面太平洋與龜山島的風景系列。由此可見，「遷徙」推動著他的創作路徑，而「簡化」則是這條路徑始終不變的方向。

 

此次展出聚焦吳熙吉 2025 年的油性粉彩風景畫，田疇、丘壑、星空、海面依序鋪展，龜山島則作為貫穿全場的標誌性符號。我第一次見到吳熙吉的作品，正是在臺中藝博現場，當下便被畫面裡反覆出現、形似蕈類的樹木造型吸引。冠頂圓潤寬闊、枝幹筆直纖細，一叢叢像香菇，帶著幾分天真可愛。訪談中藝術家解釋，這是長期觀察植物共通結構後提煉出的符號。對藝術家而言，樹冠如同雷達，是接收陽光與雨水的介面；於是藝術家去除枝葉與紋理，只留下一層機能性的骨架。

 

作品畫面看似有機，但深談之後會發現，土木專業背景讓吳熙吉習慣以科學的視角理解自然事物。而這次展覽中還可以看到另一組更冷硬的符號，像戰鬥機抬頭顯示器（HUD）的十字準星與方形取景框，工整、精準、不留筆觸。這些符號並置，指向同一件事情：藝術家正試圖將眼前龐雜的自然，濃縮成幾組可以反覆使用、拆解、重組的視覺單元，藉此建立一套屬於自己的圖像編碼。

符號：揭示隱藏結構的語言

 

克利以樹木比喻藝術如何從自然中生長，而他 1920 年代任教包浩斯（Bauhaus）期間建立的造型理論，則進一步說明了自然如何被濃縮、轉譯為繪畫符號。他在課堂上拆解自然物的結構，從一顆蘋果的切面，到一株植物由根至花的生長脈絡，從中萃取代表其「機能」與「運作邏輯」的抽象符號。因此符號既是感性的痕跡，也是可拆解、重組的單元。

 

在克利的《教學筆記》（Pädagogisches Skizzenbuch）裡，「點」如何運動成「線」，「線」如何擴張為「面」，與其說是繪畫技法，不如說是一套符號生成的文法。具體而言，符號不是模仿自然的圖示，也不是待解密的寓言，而更接近一套藝術家私密的象形系統：同一個符號沒有固定所指，在不同作品裡，可能對應空間結構，也可能對應有機質地，或是運動軌跡。

 

當然，這麼說不只是將克利和吳熙吉並置比較。吳熙吉在訪談中提到：「有人說我的作品有一點設計感，像在做廣告設計、平面設計。」這恰好讓我想到克利在包浩斯課堂上，刻意模糊藝術與設計界線的教學理念。吳熙吉的簡化雖非從設計出發，但走到符號化的盡頭，藝術與設計終究會抵達相同的視覺領域。當每個元素都被推向極致，只剩下工整、精準、可複製的機能性骨架時，兩者皆承載著分析與揭示隱藏結構的功能，差別只在於驅動簡化的來源不同。

圖騰：基本卻豐富的原點

 

吳熙吉追求的「純粹」是一種藝術語彙的思辨，形式要最簡單，內涵卻要最豐富：「所以走到最後面就是符號化」。符號之所以有效，正在於它能將無數細節包容進一個形體裡，卻反而化為最大的想像空間。而吳熙吉的符號化，在西方現代藝術的脈絡之外，還多了一層東方哲思的底色。作為多年的佛教修習者，禪坐是他每日的練習，藝術家將創作中的符號化，比作將衣服上的裝飾、珠珠與亮片一層一層拆下，直到露出未受污染的布料本身。無論是佛教「反璞歸真」的實踐，或是繪畫裡的簡化形式，最終都抵達一個最基本、卻也最豐富的原點。

 

這也解釋了，為什麼吳熙吉的作品容易讓人聯想到原住民圖騰。最原始的圖騰，本來就是由簡單的直線與固定曲折構成，處於「圖像」與「文字」尚未分化的曖昧地帶，既是視覺，也攜帶語意，有時甚至具有神秘學、宇宙論式的意涵。吳熙吉畫面中那個島的符號，似乎正包容了我們對海洋的全部知識與想像。只是隨著思維日漸複雜、表達的內容越來越多，原始圖騰的線條才逐漸脫離最初的簡單訴求，演變成各種精緻的圖像。

 

一旦把這些後來附加的技巧與敘事抽離，讓線條重新歸零，浮現出的便會是我們印象中的圖騰，畢竟圖騰追根究柢也是一種簡化的符號，只是被賦予的目的與現代藝術不盡相同。換句話說，圖騰的聯想讓吳熙吉的簡化邏輯多了一層雙重意涵，不再只是現代藝術裡的抽象與虛無。裝飾層層剝除之後，形成的是一條迴圈，最終在某個看不見的地方，與我們最早刻在陶罐與織物上的線條重新連結。

抬頭顯示器：預言的窗框

 

《迴響》展覽中，那些抬頭顯示器式的符號，精準的直線與方框，來自吳熙吉的土木建築訓練：「我畫建築圖絕對是直線」，至於圓形，藝術家說則是拿碗、鍋蓋壓在紙上，先以鉛筆描出輪廓，再徒手描繪，不靠紙膠帶，也不切割膠片。這些工程製圖般的線條，被藝術家有意識地保留下來，因為在藝術家看來，這正是屬於「未來」的造型。科技對日常器物的介入，最終將一切磨得精準而冷硬。窗框、螢幕、瞄準式的取景符號，因此不只是造型選擇，而是藝術家對人類未來處境的預言。

 

承接《人形牢籠》系列對環境危機的警示，吳熙吉想像未來我們可能因戰爭、核災或地殼變動而無法棲居地表，只能隔著強化玻璃、透過螢幕觀看外部世界。也正是這層想像，讓冷硬邊線與有機地景在同一畫面上持續拉扯。一邊是工整、屬於人造秩序的幾何，一邊是流動、屬於自然規律的色塊，兩者對照，形成一種既疏離又緊密的景深。

 

此外，在色彩方面，吳熙吉捨棄學院式的彩度分類，改以「光學波長」安排顏色。短波長的冷色向後退，長波長的暖色向前推，藉此在平面上製造出前後錯置的空間錯覺，讓構圖既不是一般的透視，也不是完全的平面。值得注意的是，藝術家使用的不是概率式的平均色，而是某個特定時刻、特定天氣才會出現的奇特色彩。比如清晨海面見光前的粉紅、傍晚樹梢裡才辨得出的紫。於是，畫面裡的紫、桃紅、青綠、鉻黃，往往比我們記憶中的自然色更濃烈、更不現實，卻又真有其事。介於寫實與預言之間，正如藝術家所言，過於美麗的顏色，有時反而是環境已經失衡的訊號。

懸浮在意識深處的龜山島

 

展場中，有幾件作品格外令我停留。《2025-41》是全場最節制的一件，無邊無際的藍佔滿畫面，只在極遠處留下一個幾乎要被吞沒的微小白色輪廓。那是龜山島，卻已不是畫面主體，更像一個懸浮在意識深處的念頭。站在畫前，視線不自覺被那片藍色留白吸住，時間也跟著慢下來，島嶼不再是被凝視的對象，而是讓我們安靜下來的座標。

 

《2025-37》、《2025-38》組成的雙連幅，田野被切成密密麻麻的矩形色塊，紫、藍、綠、土色交錯排列，像一張被打散又重新排列的棋盤，龜山島安靜地坐落在色塊構成的地平線上。這件作品呈現一種被規律切割過的秩序感，田畦既是真實的地景，也是被時間洗鍊之後留下的痕跡；龜山島則始終不動、維持完整的存在。

 

《2025-48》裡，聚集成村落的屋舍、菌傘狀的樹木，以及銀色細線拉出的線條和框邊並置，框邊之外的夜色壓得極深，框內卻透出接近螢光的泛光感。站在畫前，我像是正透過某種儀器的觀景窗，窺看一個既熟悉又疏離的聚落，那是記憶裡的宜蘭，也是被科技介入之後，科幻的宜蘭。

還原成一座森林

 

追根究柢，吳熙吉作品中的簡化，與其說是一種形式上的風格選擇，其實更接近藝術家對待生活的態度。十多年前搬到宜蘭大里海邊時，那裡人煙罕至；如今逐漸觀光化，露營車的噪音、魚工廠的氣味，讓他決定再次遷徙，將下一個家園安置在花蓮光復。2025 年，馬太鞍溪堰塞湖洪災讓那裡人口減少，堆積的淤泥即將還原成森林，這卻是藝術家與太太心目中最理想的居住環境。

 

一再遷徙的選擇，與畫面裡不斷剝除、不斷簡化的符號語言，其實是同一種行動的反應。當外在環境被過度的人為介入所改變，藝術家能做的，便是退回內在，退回一個更純粹、更本質的觀看位置。反覆出現的抬頭顯示器與窗框符號，正是一份對環境憂慮最直接的視覺化。它們暗示著，科技對自然的介入終將不只是遙遠的想像，而會成為藝術家所揭示的，我們只能乘坐飛行器、隔著強化玻璃遠眺一座島嶼的日常。「已經很久沒有看到龜山島，我們坐著我們的飛行器，來懷念一下吧！」他在訪談中半開玩笑地說，但那可能不只是玩笑，而是《迴響》裡最令人心驚的預言。

 

關於藝術家

 

吳熙吉，1965 年生於新北金瓜石，現居宜蘭頭城。以複合媒材探討生命脈動與人生哲學，創作軌跡從抽象走向具象。透過強烈的人形輪廓構成「軀殼」，象徵人類暫時擁有的身體本質；而「島嶼」則代表可探索的精神境地。他的作品在神秘與希冀間，凝視自然與人性的對話。

展覽資訊

 

迴響 ECHO

藝術家｜吳熙吉

展期｜2026.07.02 - 07.25

地點｜晴山藝術中心